Un gruppo di pensionati inglesi, insoddisfatti della vita che conducono nel loro paese natale, decidono di trasferirsi in India nel Marigold Hotel, una sorta di insolito residence per anziani a Bangalore, un po’ malmesso ma con il fascino che per gli inglesi ha sempre suscitato l’India.

Per Graham (Tom Wilkinson), ex giudice della corte suprema britannica, è un ritorno ai luoghi dell'infanzia e dell'adolescenza, alla ricerca del suo primo amore; per Douglas (Bill Nighy) e Jean (Penelope Wilton), vecchia coppia ormai logorata e insoddisfatta, il viaggio costituisce un ultimo tentativo per dare una svolta al loro rapporto; per la xenofoba governante in pensione Muriel (Maggie Smith) all'inizio l'India è semplicemente un posto dove ricevere delle cure mediche a poco prezzo; infine, per l'impenitente Norman (Ronald Pickup) e la vivace Madge (Celia Imrie) è la ricerca di una seconda giovinezza; mentre per la vedova Evelyn (Judi Dench), appassionata di nuove tecnologie, incarna la possibilità di costruirsi una nuova vita.

Per questa comitiva di attempati ma arzilli ospiti The Best Exotic Marigold Hotel, così è definito dall'intraprendente gestore Sonny (Dev Patel) diventa, pur nel suo aspetto un po' fatiscente, quasi un luogo favolistico in cui possono avverarsi i desideri più reconditi, un rifugio dell’anima dove è possibile conoscere la propria essenza e dare libero sfogo ai propri sentimenti.

Il regista John Madden, dopo Shakespeare in love ed Il Mandolino del Capitano Corelli, dirige il film in maniera sicura ed efficace, proponendo allo spettatore numerosi scorci tipici del paesaggio indiano, con una fotografia piena di luce. La sceneggiatura di Ol Parker, anche se fa vedere un’immagine un po’ stereotipata dell’India, ha un dialogo pieno di humour britannico e riesce a sviluppare alcuni spunti più insoliti e innovativi, come quello  dell’uso del computer da parte degli anziani, ed anche a gettare uno sguardo inconsueto e partecipato sulla questione dell'amore senile.

Il film e’ molto godibile, soprattutto grazie alle interpretazioni di altissimo livello di tutto il cast, tra cui spiccano le formidabili Judi Dench e Maggie Smith, ed il grande Tom Wilkinson.

E’ molto raro vedere un film che tratti la disabilita’ con tanta leggerezza e, contemporaneamente, con la giusta sensibilita’. I registi Olivier Nakache ed Eric Toledano centrano perfettamente lo scopo raccontando la bellissima storia di Philippe (Francois Cluzet), uomo ricchissimo, divenuto tetraplegico a seguito di un incidente, e Driss (Omar Sy) un ragazzone nero che vive in una casa dei bassifondi di Parigi, in un ambiente degradato che rischia di fagocitarlo tutti i giorni.

Driss si presenta da Philippe, che stava selezionando i possibili candidati ad un posto di badante a tempo pieno, per cercare di ottenerne un rifiuto necessario a continuare a vivere con il sussidio di disoccupazione. Ma Philippe intuisce di avere di fronte una persona che, proprio grazie alla sua diversita’, potrebbe fargli superare gli inevitabili momenti di sconforto e lo assume in prova.

La storia raccontata nel film e’ realmente accaduta (alla fine si vedono i veri protagonisti) ed ha il pregio straordinario di far vedere come una persona intelligente e con un gran senso dell’umorismo come Philippe possa arrivare a superare la sua terribile disabilita’ con il sorriso e la voglia di vivere nonostante tutto. Il film ha molti momenti in cui si ride, anche per come Driss e Philippe si rapportano fra di loro: tutto e’ molto spontaneo e proprio questa spontaneita’ riesce a conquistare il pubblico che non ha mai la sensazione di vedere un dramma, anche se si capisce quanto possa essere difficile la vita di Philippe.

I due attori protagonisti sono bravissimi: Francois Cluzet da’ a Philippe una recitazione fatta tutta con gli occhi ed il sorriso, con un umorismo intelligente che ci fa subito amare il personaggio, Omar Sy e’ simpaticissimo nei panni del badante, un mezzo farabutto dal cuore d’oro e dallo spirito allegro e “pragmatico”, che fara’ tornare a Philippe l’entusiasmo di vivere, contagiando anche la piccola “corte” di infermiere, segretarie e domestici che vive nella casa del miliardario prendendosi cura di lui per ogni necessita’. 

In conclusione, un film delizioso, divertente, ma anche sensibile e profondo, che ci fa uscire dal cinema con il desiderio di rivederlo (che poi e’ la prova della sua bellezza….).

Matt King (George Clooney) e’ un avvocato immobiliarista di successo, discendente da un’antica famiglia reale hawaiiana, che ha lasciato in eredita’ alla sua famiglia terreni incontaminati; nel tempo, molti terreni sono stati venduti per essere edificati portandolo ad essere uno degli uomini piu’ ricchi dell’arcipelago. Rimane da decidere sulla vendita di una delle spiagge tropicali più belle di Kauai, per cui Matt, unico fiduciario testamentario, è in trattative con potenziali acquirenti insieme ad una decina di cugini assetati di guadagno.

Matt, padre e marito distratto, si ritrova pero’ a dover affrontare una tragedia familiare: dovrà infatti badare per la prima volta nella sua vita alle sue due figlie, perche’ la moglie e’ in coma per un brutto incidente in mare, causato dalla sua passione per gli sport estremi. A fargli perdere definitivamente la bussola sarà la scoperta del tradimento della moglie, che aveva intenzione di lasciarlo perche’ innamorata di un altro….

Il regista Alexander Payne riesce a farci emozionare di fronte al dramma familiare vissuto da Matt, che amava profondamente la moglie, malgrado le dedicasse poco tempo perche’ assorbito dal lavoro, e che si trova anche a dover gestire un rapporto deteriorato con le due figlie, specialmente con la maggiore. 

Clooney da’ una prova d’attore straordinaria, la migliore, secondo chi vi scrive, di questo bravissimo attore:  passa dalla disperazione per non essere riuscito a far capire il suo amore alla moglie, all’ira quando apprende del suo tradimento, al desiderio di vendetta contro il suo amante, alla paziente dolcezza con le sue figlie, che lentamente impareranno ad apprezzarlo.

Parigi, anni ’30: la stazione ferroviaria vive un'esistenza scandita dagli orologi sempre in funzione, che ne regolano ogni attivita’. Nella stazione parigina c’e’ un ragazzo orfano, Hugo Cabret, che da tempo vive di nascosto in un piccolo rifugio, ricavato dentro il meccanismo dell’orologio di maggiori dimensioni. Hugo si occupa clandestinamente della manutenzione e ricarica degli orologi, ed e’ il custode di un segreto lasciatogli da suo padre: un Automa recuperato dai resti di un museo incendiato, di cui e’ ignota la funzione.

Hugo, seguendo le istruzioni contenute in un misterioso libretto trovato insieme all’Automa, cerca da tempo di ripararlo utilizzando vecchi ingranaggi e molle che riesce a trovare o, in qualche caso, a rubare. Quando il ragazzo viene scoperto a rubare da Georges, un anziano giocattolaio che ha il suo negozio all'interno della stazione, si rende conto di essere misteriosamente legato a quell'uomo burbero e che, probabilmente, il legame sta proprio nell’Automa che suo padre stava cercando di riparare…. Ci fermiamo qui per non togliere il gusto della scoperta a chi vorra’ vedere il film. 

Con Hugo Cabret, Martin Scorsese si cimenta in piu’ di una sfida: l’esordio nel campo dei film per ragazzi, cosi’ lontano da quello che e’ stato per anni l’universo di riferimento cinematografico del grande regista, e l’esordio nel campo del 3D. Ma si tratta anche della prima volta in cui Scorsese parla direttamente del cinema e della sua storia: il regista si mette senza pudore nei panni del piccolo protagonista e narra della meraviglia, unica e irripetibile, provata da un ragazzino di fronte a quel fascio di luce proiettato su uno schermo gigante, e dell'inesplicabile senso di “magia” che quelle immagini trasmettono la prima volta che le si guarda. Da questo punto di vista l'uso del 3D per una pellicola come Hugo Cabret è stata una scelta opportuna (forse addirittura necessaria) e con questo film siamo di fronte a uno dei pochissimi casi in cui l’uso della stereoscopia permette allo spettatore di vivere l’avventura sentendosi “immerso” nel film insieme ai personaggi. 

Il 3D di questo film, al pari di quello che ci ha mostrato James Cameron in Avatar, è contrastato, nitido e coinvolgente: e' una vera gioia per gli occhi vedere la profondità e l'incredibile senso di realismo che emanano dalle scenografie di Dante Ferretti, il senso di vertigine della torre dell'orologio in cui vive Hugo, la resa minuziosa delle distanze e il grande lavoro del regista sulla costruzione dell'immagine e sulla profondità di campo, sia per gli esterni che per gli interni: il 3D di questo film (che anche James Cameron, l’antesignano di questa tecnologia, ha definito come il migliore mai realizzato) fa vedere come questa tecnologia cosi’ versatile sia stata, finora, poco compresa e mal utilizzata.  La tridimensionalità di Hugo Cabret è anche un commosso e sincero l'omaggio del regista all'arte di Georges Méliès non a caso illusionista prima che cineasta, pioniere degli effetti speciali e di un cinema che, per la prima volta, si basava sulla meraviglia, sul coinvolgimento emotivo e sulla rappresentazione stessa dei sogni. E' la magia la chiave (non solo simbolica) di accesso alla storia, quella magia ricreata artigianalmente, con infinita pazienza, dalle mani di Méliès coi suoi trucchi e i suoi macchinari, quella che lo stesso Hugo vuole caparbiamente far rivivere nell'Automa lasciatogli dal padre.

Hugo Cabret, ispirato a un romanzo per ragazzi dello scrittore Brian Selznick e’ dunque, un magico omaggio al cinema, ma e’ anche una favola meravigliosa che racconta la formazione di un ragazzo che cerca il suo posto nel mondo, in una società da lui vista come un enorme ingranaggio in cui ogni pezzo deve trovare la sua collocazione e funzione.  

Hugo, interpretato benissimo da Asa Butterfield, non smette mai di guardare il mondo con fiducia ed ottimismo e cerca il “cuore” in una creatura meccanica che racchiude in sé il ricordo di un padre che non ha mai smesso di amare. Ad aiutarlo nella sua difficile ricerca una Chloe Moretz altrettanto intensa, una ragazza divoratrice di libri ed affamata di avventura, che accompagnando Hugo nel suo “viaggio” avrà modo di conoscere meglio le persone con cui vive, riuscendo a stabilire con loro un legame piu’ profondo.

Il cast è arricchito dalle presenze di un sempre carismatico Christopher Lee nel ruolo del saggio libraio, di un divertente Sacha Baron Cohen che dà il volto all'ispettore ferroviario senza sorriso, perennemente sulle tracce di Hugo, e di un intenso Jude Law nella parte del padre di Hugo. Lasciamo per ultimo Ben Kingsley, strepitoso interprete dell’anziano giocattolaio che dara’ inizio all’avventura.

In questo quarto episodio della fortunata serie iniziata nel 1996 sul grande schermo per la regia di Brian De Palma, Ethan Hunt (Tom Cruise) è subito nei guai: lo troviamo richiuso, apparentemente senza motivo, in un carcere moscovita, pronto per una rocambolesca evasione aiutato da una squadra efficientissima di agenti della sua Agenzia. Dovra’ guidare la sua squadra nella missione di salvare il mondo dalla piu’ orribile delle minacce, la guerra nucleare….

Questa volta pero’ Ethan non sara’ in missione da solo, avra’ una squadra di tre agenti, che non faranno da “comparse”, ma che vengono utilizzati dal produttore ed ideatore di questo episodio (J.J. Abrams) per renderlo uno dei piu’ movimentati della serie. Per dare una maggiore “suspense” allo spettatore ad un certo punto della storia il governo USA attiva il “Protocollo Fantasma”, che consiste nel disconoscere l’esistenza degli agenti “Mission Impossible” lasciandoli senza alcun aiuto esterno mentre tentano di portare a termine la missione.… 

Il film segna il debutto nel cinema “live action” del regista Brad Bird della Pixar, che segue perfettamente l’idea di Abrams, con un racconto che per la prima volta è davvero corale, e che offre ampi spazi ai personaggi compagni del protagonista, che e’ riduttivo definire secondari.

Brad Bird se la cava egregiamente nel raccontare la storia, regalandoci un blockbuster ottimamente confezionato, teso e spettacolare, esente da cali di tensione nella sua durata di oltre due ore, e con un impatto visivo straordinario. Bird non sembra affatto a disagio nel passaggio tra animazione e attori in carne ed ossa, dirigendo sequenze di grande efficacia spettacolare, tra cui spicca una vertiginosa arrampicata di Tom Cruise su un grattacielo ed un inseguimento al cardiopalma in mezzo a una tempesta di sabbia.

Approfondito anche l’esame psicologico dei compagni di avventura di Ethan, un’agente bellissima e letale interpretata da Paula Patton, un tecnico analista efficientissimo ma sempre pronto alla battuta (Simon Pegg), un analista-agente con un passato misterioso, ben interpretato da Jeremy Renner, che avevamo conosciuto in “The Hurt Locker”, il film vincitore dell’Oscar 2010. Sempre a suo agio nella parte Tom Cruise, che nelle scene d'azione sfoggia una forma fisica perfetta. 

Il film termina lasciando intendere che ci sara’ un seguito: siamo sicuri che gli appassionati della serie non vedranno l’ora che esca, dopo aver "vissuto" questo quarto episodio: missione compiuta, Agente Hunt!

Driver (come dice il nome) è un automobilista ma un po’ particolare. Oltre a fare lo stuntman aiuta i rapinatori nelle loro fughe spericolate. Inoltre lavora come meccanico in un’autofficina. L’incontro casuale con una donna potrebbe segnare una tappa importante nella sua folle vita se non fosse sposata ed avesse un figlio. L’amore per lei avrà un risvolto fatale: decide di aiutare il marito in un colpo che gli permetterebbe di pagare i debiti con gente losca ma va tutto storto. Ed i guai non sono finiti…

Diretto da Nicolas Winding Refn, giovane regista danese con già diversi film all’attivo, Driver sembra quasi un omaggio al poliziesco americano anni ottanta. Il titolo ed il personaggio potrebbero evocare “Driver l’imprendibile” (“The driver”, 1978) di Walter Hill ma il regista non può non essersi ispirato a Michael Mann e soprattutto alla sua opera prima “Strade violente” (“Thief”, 1981). Un film duro, intriso di violenza che in alcuni punti raggiunge un livello di splatter che neanche Quentin Tarantino potrebbe mai concepire. Eppure tra un inseguimento, una sparatoria e tanto sangue si riescono a trovare momenti di poesia. Ottima la musica e la fotografia.

Premiato per la miglior regia al Festival di Cannes.

Bruno Beltrame (Fabrizio Bentivoglio) è un ex insegnante ed ex scrittore di talento che per sbarcare il lunario ricorre (senza passione) a ripetizioni a domicilio e a scrivere (sempre senza passione) biografie di calciatori e attori. Conduce una vita alquanto trascurata: mangia panini a pranzo e vive in una casa dove il disordine e la sporcizia regnano sovrani. Una sera incontra una donna con cui anni addietro ebbe una relazione e da cui apprende una notizia che ha dell’incredibile: Luca, un ragazzo quindicenne suo allievo, è suo figlio. La donna, che deve assentarsi dall’Italia per diversi mesi, chiede a Bruno di ospitare il ragazzo. Inizia così una singolare convivenza anche perché il ragazzo ignora tutto. Bruno cercherà di fare il padre e di aiutare il ragazzo che a scuola è un completo disastro ma fallirà su entrambi i fronti. Però…

“Scialla!”, che “tradotto” in italiano significa “stai sereno” è l’opera prima di Francesco Bruni. Precisiamo, l’opera prima come regista poiché come sceneggiatore vanta già un illustre passato: quasi tutti i film di Paolo Virzì e Mimmo Calopresti portano la sua firma. Il risultato è interessante ed il film si vede con grande piacere in quanto conduce un’analisi sociologica sui giovani di oggi ma in maniera leggera riservando diversi momenti di divertimenti ed un finale davvero surreale che anche uno spettatore smemorato difficilmente potrà dimenticare. Il cast ha dato il suo notevole apporto con un ottimo Fabrizio Bentivoglio ed un esordiente Filippo Scicchitano perfetto nel ruolo dell’adolescente in rotta con la società.

Da vedere.

“Gioco di ombre” offre delle avventure del personaggio di A. Conan Doyle una versione ancora più "bondiana" e autoironica del primo film, che scorre rapida ed avvincente fino alla fine, dopo piu’ di due ore in cui non ci si annoia mai.

Il nuovo film di Woody Allen e’ una deliziosa commedia con un soggetto “surreale”: Gil (Owen Wilson) e’ uno sceneggiatore hollywoodiano di successo che cerca di scrivere il suo primo libro, e lo troviamo in vacanza a Parigi con la sua futura sposa ed i suoi antipaticissimi genitori (rappresentanti tipici della destra repubblicana “Tea Party”, che Woody tratteggia con tutto il suo spietato sarcasmo…).

Il film e’ sempre sorretto dalla buona vena del regista, che ci fa vivere un’avventura surreale con grande leggerezza, con personaggi carismatici che ci fanno dimenticare di essere fuori dalla realta'. Il dialogo e’ al solito brillante e gli attori tutti perfetti nelle loro parti (anche simili nella fisionomia ai personaggi che rappresentano…).

In conclusione un film originale, che sembra fatto apposta per un divertimento spensierato e sofisticato, senza le complicazioni di altri film del grande Woody.